歷史概況

現代音樂是指自1900年起至今，繼承歐洲古典音樂而來的一個音樂紀元，音樂門派繁多，風格多樣。在此之前，現代音樂有兩大源流：拉赫曼尼諾夫的後浪漫樂派、和德布西的印象樂派。在現代音樂之前，作為前繼者的歐洲古典音樂家如巴托克、馬勒、理查史特勞斯、浦契尼、德布西、艾伍士、艾爾加、荀白克、拉赫曼尼諾夫、普羅高菲夫、史特拉汶斯基、蕭士塔高維契、布瑞頓、柯普蘭、尼爾森等人。當時古典音樂也和爵士樂相互影響，有音樂家能同時在兩個領域作曲者如蓋希文。

現代音樂

現代音樂一個極重要的特點是開始有所謂傳統及前衛之分別，它們的音樂原則在一方佔極其重要性者，在另一方往往不是那麼重要或不被接受。但是，在此領域外就常常被攻擊。隨著時間，前衛的概念已經逐漸的被接受，兩個領域彼此之間的分野不再壁壘分明，並且出人意表，這些開拓性的技巧常常被流行音樂所引。

二十世紀的經濟和社會型態對音樂也有重大的影響力，世界在工業化時代有了逐漸進步的錄音和回放設備，從錄音帶到CD到DVD，有了廣播和電視，以及整個資本主義脈絡的內嵌。十九世紀的人大多自己創作音樂，或者在音樂會上聽到音樂。

浪漫風格的現代音樂

這種音樂特別出現在二十世紀的起點，許多作曲家繼承十九世紀的浪漫樂派而創作的音樂。他們使用的和弦雖然有時複雜，但仍是具調性的，而樂器的編制如管弦編制或弦樂四重奏也維持一樣。同樣的，古典的曲式如交響樂或協奏曲等，也沒有什麼改變。這一派系的傳統仍在維持，直到今天仍有人寫作此種音樂。二十世紀中，創作此種音樂者有：

伯恩斯坦	Leonard Bernstein	1918年8月25日—1990年10月14日	美國
蓋希文	George Gershwin	1898年9月26日—1937年7月11日	美國
拉赫曼尼諾夫	Sergey Rachmaninov	1873年4月1日—1943年3月28日	俄羅斯
西貝遼士	Jean Sibelius	1865年—1957年	芬蘭
霍爾斯特	Gustav Theodore Holst	1874年9月21日—1934年5月25日	英國

現代性的現代音樂

在現代音樂中，絕大部分的作曲家不創作這種音樂。許多種音樂都被賦予所謂現代性的名詞，但即使如此它們之間常有非常大的差異。會如此的原因，在於認為二十世紀這一段時間，世界上有極大的改變，有著全新的社會和活動的意義。而所謂藝術也應該接受這樣全新的基礎，也就是一種新的美學。現代性擷取十九世紀的進取精神、對於嚴謹態度和技巧進步的慎重，然而把藝術從十九世紀的規則和形式釋放出來。取一個例子來說，建築師萊特以工具來製圖，並非他無法使用徒手製圖，而是他認為「機器是未來，所以我想用機器造美」。在二十世紀流行的各式音樂運動，包括新古典主義、序列主義、實驗主義、概念主義（Conceptualism）都可以追溯至此概念。

第二維也納樂派：無調性音樂和序列音樂

荀白克是二十世紀一個重要的人物。他的早期作品屬於後浪漫風格，被華格納和馬勒所影響，但稍後他放棄了這一整個路徑，改而寫作無調性的音樂——這種作曲法被認為他的首創。他發明了十二音列作曲法，企圖取代傳統的調性系統。他的學生，魏本和貝爾格更進一步擴展了這一理論，並且在應用上也有所成就。因而他們三位被稱為荀白克三人組，或第二維也納樂派。如同名字暗示的，這種新音樂意欲達致如同古典的維也納樂派的影響力，如同海頓、莫札特和貝多芬一樣。

荀白克的音樂和他的追隨者在當時遭受極大的質疑，到現今也仍是如此。聽眾們發現他的音樂難以捉摸，並且毫無旋律感。儘管如此，像月下小丑（或月宮小丑，Pierrot Lunaire）此般的樂曲仍然持續的被演奏和研究，與其相襯，許多當代的接受度較高的樂曲反而被人們遺忘。造成此一結果的原因是，這一由他領進的理論影響力之巨大，即使創作調性音樂的作曲家們也莫不被影響。許多作曲家在此之後就不再依靠傳統調性系統來寫作音樂。

十二音列的技巧也被其他的作曲家所改變，為了控制音樂的其他層面，而非原本意圖的控制音高，例如音符的強弱或是起奏的方法，藉以創造完全序列化的音樂。米爾頓‧巴比特便據此創造了自己的時序系統，使得每個音符的起奏點之間的時間距離也呈現序列的關係。魏本的「pointillistic」風格使樂曲中的每個個別的聲音都具備結構的重要性，這個風格影響了二戰後的作曲家如布列茲和史托克豪森（Karlheinz Stockhausen）。

諷刺的是，在多年無人問津之後，十二音列作曲法一度在50-60年代的歐洲被奉為圭臬，然後之後又回到了低潮。不論新舊作曲家們又使用了調性系統，這一方面的音樂家們形成了後來的新古典主義、浪漫音樂、或簡約音樂潮流。史特拉汶斯基在年輕時曾在林姆斯基-高沙可夫門下學習，後來變成現代樂派、然後是新古典主義派、在最後荀白克死後成為序列主義派。

不協和音和實驗主義

在二十世紀早期的現代作曲家如喬治‧安塞爾和其他人作出了驚駭眾人的作品，因為他們的作品都展現了對音樂傳統的漠不重視或者諷刺性的浮誇態度。艾伍士就曾引用流行音樂，經常使用多重調性的音樂，而其結果是極端的不協調，並且旋律看起來有著幾乎不可能被演奏的複雜性。亨利‧柯威爾在演出自己的鋼琴獨奏樂曲時，是同時在鋼琴內部彈撥琴弦，並且同時敲擊琴鍵，或者使用他的手臂或樂譜來演奏tone cluster。瓦雷茲也寫作高度不協調的樂曲，使用不尋常的響度（sonority）和未來主義式的名稱；他同時夢想著能夠使用電子器材創作音樂。

查爾斯‧西格（Charles Seeger）清楚的闡述不和諧對位法的概念，這個技巧後來被卡爾‧拉格爾斯（Carl Ruggles）、露絲‧克勞佛-西格（Ruth Crawford-Seeger）和其他等人使用。史特拉汶斯基和狄亞基列夫因為他們的作品「春之祭」加以尼金斯基的舞蹈，引致了一場暴動而逃離。大流士‧米堯（Darius Milhaud）和興德米特（Paul Hindemith）探索了多調性音樂的領域。羅旦（Amadeo Roldán） 特地設計了敲擊音樂的合奏嵌入於傳統的作曲技巧中，這個想法立刻被瓦雷茲和其他人所仿效。柯特‧懷爾（Kurt Weill）基礎於德國歌舞廳音樂的特質寫作了膾炙人口的「三便士歌劇」。

在前衛領域的現代作曲家，他們經常寫作無調性音樂、有時探索十二音列作曲法、使用大量的不和諧和聲、引用或模仿流行音樂、或者甚至由觀眾來激發他們作曲的靈感。

新古典主義

新古典主義在音樂史上指的是二十世紀，一個回歸「普工實用」和聲技巧的音樂運動，它混和了許多不協和以及新式節奏的概念，作為和古典主義的區分。史特拉汶斯基、亨德密特（Paul Hindemith）、普羅高菲夫、巴爾托克等等一些人經常被當作這個潮流中重要的成員，另外，尚有多產作曲家米堯（Darius Milhaud）和同時期的浦朗克（Francis Poulenc）。

新古典主義與藝術上回歸理性模型的潮流是同時發生的，可以視為對於一次大戰的回應。這樣一種較為小型、簡化而有秩序的取向，被認為是對於過度激動而疲乏的感性主義的回應。而當時的經濟狀況也驅使作曲家們走向小型合奏的規模，因而這種「do more with less」的尋求得到了具體的實踐。史特拉汶斯基的大兵的故事（L’Histoire du Soldat）、頓巴敦橡園協奏曲、管樂交響曲、C大調交響曲都是例子。他的新古典主義音樂在浪子的歷程一部歌劇中達到頂點，該劇劇本由現代主義詩人W.H.Auden所寫。

史特拉汶斯基在這一領域中的競爭者是德國作曲家亨德密特。他混和了尖銳了不協和音、複調性和free ranging chromaticism into a style which was “useful”。他用這種方法同時寫作室內樂和管弦樂，最有名的例子大概是畫家馬蒂斯交響曲（Mathis der Maler），而室內作品如法國號奏鳴曲。

新古典主義在美國受到歡迎，布蘭潔（Nadia Boulanger）一派的音樂家基於他們對史特拉汶斯基的理解，散佈了各式各樣的概念。他們的學生，艾略特‧卡特、柯普蘭、羅伊‧哈里斯、米堯、皮亞佐拉（Astor Piazzolla）和湯姆森（Virgil Thomson），都曾一度是新古典主義的作曲者。

新古典主義最易辨別的特徵是使用三全音作為穩定音程的旋律，色彩性的在固定音型中加上不協和音和塊狀和聲，以及自由混合的多重節奏（polyrhythm）。新古典主義迅速的贏得了許多聽眾，那些反對無調性音樂作為「真正」現代音樂的人，更加支持這個潮流。新古典主義也接受了一些民歌音樂來增加音樂中的節奏性以及和聲變異性。例如匈牙利音樂家巴爾托克和高大宜和捷克音樂家楊納傑克都研究了他們國家中的民歌音樂，然後使用之於他們自己的作品之中。

後現代音樂

後現代主義可以說成是對現代主義的一種回應，斷言人類活動的產物（特別是透過機巧來製造或創造的）是技藝本身的中心主題。後現代主義的思想在音樂和繪畫上的發生具有相似的情境，一方面，對於機械論式的詮釋喜好逐漸降低，現代主義的手段被棄置；取而代之的是個人主義化的風格和實驗主義。但是，後現代主義拒絕了解釋性的立場：the need to be “in” on the joke as it were。相反地，他們採取大眾的眼光，成為他們的美學指導。

簡約音樂

簡約音樂最大特色在於重複使用同主題的樂段、緩慢地或不加以改變來呈現和諧的整體。然而這並非史無前例的——華格納曾用分散的（arpeggiated）的降E大調來寫他的萊茵河的黃金——這類普遍使用的技巧以及層次的使用、樂段的階段性就是所謂簡約主義式的。這與後來所稱的重複整個樂段有關（不過不同），這同樣不是史無前例的但肯定十分稀少。層次感用來表現一個樂段的進展，然後加入新的聲音產生最後的效果。

和諧的和弦指的是音階之間合起來所謂「穩定」的聲音，而和弦同樣可以用順暢移動（voice leading）的方法來分析。在簡約主義中，和弦的這種功能通常不被使用。另一個簡約音樂的特徵是演進的階段性，藉以提供音樂上的變異性。一個著名的例子是Terry Riley的「In C」，它不是寫定的樂曲而是幾個分散的樂段，由演奏者自行連接來演奏，然後隨意停止。樂曲的整體結構，根據演奏者的選擇就很不同。

簡約音樂領域確實是在有意的情況（所謂後古典）下發展出來的，他們受到Cage使用靜默和層次手法的吸引，並希望為這種音樂加上更多旋律性。許多個別的簡約音樂特點，在同時期的序列音樂（serialism）中也會出現，例如Berio的「Sinfonia」，或者是Morton Feldman的長音。這些特性也被另外一些音樂家採用了，他們反對二十世紀的和弦理論，常常是因為宗教因素者。這些作曲家常常回歸中古時期和早期文藝復興時的風格和合聲，寫出結構嚴謹的樂曲，而非tonal context。在這些人之中，Arvo Part有著不少追隨著並且大量的作品和表演。

電子音樂

廣義而言，只要是使用電子設備所創造的音樂，都可屬之。任何以電子合成器、效果器、電腦音樂軟件、鼓機等「樂器」所產生的電子聲響，都可合理地稱為電子音樂。廣義電音的範圍相當廣泛，電影配樂、廣告配樂，甚至某些流行歌、搖滾樂中都會出現，只是常人不易發覺。極狹義而言，電子音樂指涉科技(Techno)、出神(Trance)等種類的樂曲。然而事實上，只要是使用電子設備所創造的音樂，包括浩室(House)、鼓打貝斯(Drum and Bass)等音樂類型，甚至是只是使用電子放大器的爵士樂與民歌，也可以是電音。

還有作曲家放棄樂器而使用錄音帶來創作音樂，錄製音效後，有計劃地將它們放置於音樂之中。